DIBUJO

Es una técnica que corresponde a la disciplina de las artes plásticas. Se conoce por dibujo a la impresión grafica realizada sobre una superficie.

Para dibujar se necesita identificar un elemento y representarlo gráficamente conservando sus cualidades, el cual podemos apreciarlo desde tres ángulos:

Dibujo técnico: Como actividad utilitaria, éste tipo de dibujo es el que se encarga de representar un elemento tal como es y permite además expresar ideas científicas, técnicas o tecnológicas.

Dibujo artístico: Como actividad libre. En este tipo de dibujo interviene la realidad interior, pues es un medio para expresar sentimientos y emociones, representa la imagen y la realidad desde un punto de vista subjetivo.

Dibujo en diseño: Como actividad utilitaria teniendo en cuenta la estética. Este tipo de dibujo es utilizado por los grandes inventores de la humanidad porque surge de la observación del medio, de esta observación surgen las ideas, anhelos, sueños y de estos los inventos. En este tipo de dibujo se tiene en cuenta los materiales empleados, su función y el propósito para el cual fueron pensados, teniendo  en cuenta la ergonomía y la antropometría.

INSTRUMENTOS DEL DIBUJO

Para dibujar debemos conocer los principales instrumentos del dibujo, su uso correcto y las normas o técnicas para trazar.

EL LAPIZ

Para dibujar con reglas o con escuadras se deben utilizar lápices duros como 2H,3H,4H,5H,6H,7H,8H,9H se utilizan para dar exactitud y fineza en el trazo, lápices semiblandos como F o HB estos son lápices intermedios entre duros y blandos y su uso es corriente, para el dibujo artístico se  utiliza del 2B al 7B ya que son más blandos y permiten mayor plasticidad en el trazo y nos permiten sombrear, los lápices H,2H,3H,4H,5H,6H,7H,8H,9H son lápices extra duros que se emplean en el dibujo mecánico para hacer croquis, letreros, cabezas de flechas y dibujos a mano alzada.

La punta del lápiz debe estar bien afilada para lograr un buen trazo de línea. Un cortador puede servir para obtener una punta afilada, la mina se pule al pasarla por un afilador de minas, el cual consiste en un trozo de madera con un pedazo de lija pegada

El lápiz se gira pasando la mina sobre la lija hasta obtener una punta cónica aguda

EL PAPEL

Es el material de trabajo del dibujante. Se extrae de la celulosa del algodón, de maderas resinosas y de desechos agrícolas a través de un proceso industrial. Su medida se realiza en gramajes el cual representa el peso de una hoja de un metro cuadrado de papel.

EL BORRADOR

Es un instrumento de escritorio conformado por una goma que es blanda y que permite eliminar los errores que el dibujante tiene durante su expresividad artística, es recomendable que al realizar la acción de borrar se realice en una sola dirección para que el papel no se arrugue ni se rompa.

LA REGLA

Es un instrumento de forma plana y alargada que facilita trazar líneas de manera perfecta y tomar mediadas entre un espacio y otro.

ESCUADRAS

Son plantillas triangulares que se usan para trazar ángulos, líneas y tomar medidas.

EL COMPAS

Instrumento del dibujo que sirve para trazar arcos y circunferencias de distintos diámetros con precisión, consta de dos brazos articulados: en uno de ellos hay una aguja que se coloca en el centro de la circunferencia o arco que se ha de trazar y en el otro se coloca la mina. Ambos brazos deben estar a la misma altura para que el trazo quede bien hecho. Si se desean trazar circunferencias de gran tamaño debe usarse un elemento de extensión. En el uso del compás se aconseja utilizar una mina blanda para que el trazo quede parejo.

TRANSPORTADOR DE ANGULOS (arte y expresión p 26-29)

Se emplea para trazar ángulos o para conocer el número de grados de la abertura entre la línea.

DIBUJO A MANO ALZADA

Este tipo de dibujo se realiza sin instrumentos como regla, escuadra o compas entre otros.

Con la práctica del dibujo a mano alzada se desarrolla la noción de proporcionalidad, manejo de trazo y espacio del papel.

Para dibujar a mano alzada se requiere de un lápiz semiblando HB o F con buena punta, borrador y papel apropiado.

En el dibujo a mano alzada se hace uso de las diferentes clases de líneas, ya que con ellas se crea formas, se hacen fondos y sombras, se muestran relieves y se insinúan texturas.

Las líneas rectas horizontales se trazan de izquierda a derecha, las líneas rectas verticales de arriba abajo y las rectas inclinadas de arriba abajo.

PROPORCIONES APROXIMADAS (p12 arte y expresión)(pg 31 parramon)

Proporcionar es realizar un modelo (boceto) en diferentes tamaños, los cuales se ajustan a las medidas que este tiene.

Boceto o bosquejo es el ejercicio previo al dibujo final y se realiza a mano alzada.

Las proporciones en escala se caracterizan por la exactitud matemática en las medidas.

Hay escalas de reducción y de ampliación, si encontramos en un plano Esc1:90 significa que el dibujo se ha reducido 90 veces. La unidad 1 del dibujo corresponde entonces a 90 unidades del objeto real.

De la misma manera una escala de ampliación. Si aparece Esc6:1 significa que seis unidades del dibujo corresponden a una unidad del objeto real; es decir el dibujo se ha ampliado seis veces.

ENCAJE EN PLANO GEOMETRICO

Encajar en plano geométrico es poner las formas en planos (caras). En el plano apropiado se colocan las líneas o formas básicas más importantes del objeto.

Cuando no se cuenta con el talento innato, que se considera tienen los artistas, se puede recurrir a técnicas o fórmulas que faciliten el proceso del dibujo. Una de esas técnicas es utilizar las formas geométricas simples como base de la forma de los objetos.

Las formas geométricas simples son: el cuadrado, el circulo, el triángulo, el rectángulo, el robo y el ovalo.

No se trata de encasillar forzosamente todos los elementos en la figura geométrica, el propósito real es el de buscar la forma o figura que más se acomode, pues los elementos regularmente son asimétricos.

La observación hace parte importante del dibujo, se escogen las formas a utilizar. Una vez se obtiene el trazo o esquematización del objeto que se dibuja se pasa a definir sus formas reales.

PLANOS GEOMETRICOS:

Son las caras o las partes planas del cuerpo, las formas planas se crean al definir los límites de una figura bidimensional. Allí surgen: el  contorno que son líneas que limitan la figura y la silueta que se consigue siguiendo los contornos de la sombra de un objeto.(parramon  PAG33-59)

ENCAJE EN VOLUMEN GEOMETRICO: EXPRESION PAG13)

Para dibujar un volumen geométrico, debemos ubicar el modelo dentro de una figura geométrica

PROFUNDIZACION

Los objetos tienen una forma (plano, volumen) geométrica básica y características que los identifican.

EL ENCUADRE

No todos los elementos que se encuentran en un motivo deben hacer parte de la obra final, una manera de delimitar o escoger lo que se va a dibujar es el método del encuadre.

El encuadre tiene como fin delimitar un área, facilitar el trabajo del dibujo en sí, pues el grado de complejidad lo determina el dibujante.

Un buen método para encuadrar y muy sencillo de hacerlo es a través de un marco de papel compuesto por dos lados independientes, el marco se puede hacer utilizando dos pedazos de cartulina, debe ser más grande que la muestra escogida, para que se pueda ampliar o reducir de acuerdo con el modelo.

EL ENCUADRE CON CUADRICULA

El dibujo al natural cuenta con técnicas de ayuda que facilitan la obtención de buenos resultados. El encuadre con cuadricula permite escoger el área exacta que quieres dibujar y dividirla por partes que facilitan la proporción de todos los elementos.

Para hacer el marco utiliza cartón o cartulina, el tamaño queda a gusto de cada dibujante, lo importante es que sea cómodo al cogerlo, utiliza plástico trasparente para colocarlo en la ventana que tiene el marco, después traza en forma de cruz dos líneas que dividen la ventana en cuatro partes o zonas. Antes de empezar tu dibujo, escoge el ángulo que desees, este cambiara de acuerdo con la cercanía o lejanía que pongas en la mano de tu vista, en la hoja debes hacer el mismo trazado del marco ya que servirá de guía cada vez que empiece el dibujo.

El método de la cuadricula requiere partir de una imagen impresa o de una fotografía sobre la cual se pueden hacer los trazos necesarios.

En el orden de tareas para realizar una obra, la reproducción del modelo o motivo, a pesar de ser una constante, puede generar cierto grado de dificultad para el aprendiz generando obstáculos en su proceso. Por ello le deben dar las herramientas que faciliten el aprendizaje y la observación de resultados.

El sistema de la cuadricula es tal vez el más utilizado cuando se buscan resultados rápidos y precisos; si la técnica es utilizada adecuadamente se podría asegurar una buena reproducción

Es importante no abusar de los métodos de ayuda, pues se podría atrasar el desarrollo de la destreza del dibujante, quien debe manejar las técnicas con cierta naturalidad.

Cuando trabajes con cuadricula traza suavemente la cuadricula sobre el motivo escogido, el tamaño de los cuadros lo escoges a tu conveniencia. La cuadricula de la hoja de trabajo debe tener la misma cantidad de divisiones.

En un principio es conveniente mezclar métodos aprendidos, primero realizar las formas simples para proporcionar el dibujo, cuando este tome la forma real, se borran las líneas de la cuadricula para darle el acabado final.

ESCALA TONAL

Cuando hablamos de escala tonal, hablamos del efecto que tiene la luz sobre los cuerpos, que van de lo claro a lo  oscuro y determina de esta manera su volumen.

El tono dentro de los valores tonales, de claro a oscuro observado en los objetos sobre los que incide la luz, es definido como como el resultado de las intensidades de luces y de sombras, con una gama de tonos que van desde el blanco al negro.

En otras palabras, la escala tonal es determinada por la valoración de los tonos claros y oscuros utilizados en el dibujo.

Los tonos claros definen las zonas del objeto o cuerpo que están recibiendo la luz en mayor cantidad y los tonos oscuros es porque el objeto no está recibiendo la luz, entonces las vemos oscuras o sombreadas.

Una buena utilización del claro oscuro hace que los objetos dibujados ganen volumen y profundidad para ello es importante definir la fuente de luz.

GAMA DE GRISIS

Se considera la gama de grises  cuando no se tocan los dos extremos del color entre el blanco y el negro.

La gama de grises enriquece la sensación visual sobre una obra, deja manejar el detalle, las texturas, los contrastes, el volumen y demás sensaciones posibles de expresar por el artista.

CONTRASTE

Cuando desaparece todo tipo de gama o escala de grises y quedan el blanco y el negro como únicos medios de expresión se dice que tenemos un contraste.

Se considera el blanco como el fondo del papel y el negro como elemento de trabajo y viceversa.

EL VOLUMEN

El volumen es un efecto tridimensional que tienen los dibujos, con este se da la sensación de redondez, profundidad o cercanía del modelo dibujado.

Para considerar hecho un dibujo al natural, se necesita de un modelo o muestra. Por medio de simplificación de la forma que utiliza las figuras geométricas simples, se obtiene un bosquejo o boceto. Una vez definidos los trazos y si el resultante es una imagen lo más cercana a la muestra, se adquiere la técnica.

Para que las formas dibujadas tomen “cuerpo “el efecto de las luces incidentes, zonas claras y oscuras que enriquecen la impresión visual, se tornan fundamentales al momento de conceder significados al dibujo.

Traducir el efecto de la luz sobre el dibujo se llama sombreado, que en realidad, es definir el volumen que los elementos o cuerpos dibujados trasmiten al ser iluminados de una u otra manera.

El volumen ubica visualmente a quien aprecia el dibujo, le puede determinar entre otras la forma, la profundidad y el plano en el que se encuentra cada elemento.

Cuando se hacen los primeros trazos de un dibujo, todos los objetos aparecen en un mismo plano. Con la aplicación de las sombras en las zonas más o menos iluminadas, los objetos toman su forma básica y posición dentro de la composición.

Dentro de los términos del volumen se habla de las formas cuadradas, esféricas, cilíndricas, cónicas. Entran a jugar factores como: altura, amplitud y profundidad, bases de la tridimension al dibujar.

La luz incidente en el objeto determina el efecto visual que percibimos, la cual representamos en el papel con una adecuada aplicación de luces y sombras.

LUZ Y SOMBRA

La luz reflejada sobre algún objeto estimula nuestro sentido visual, a esto lo llamamos simplemente ver, la luz también determina el color que los objetos pueden tener.

FUENTES DE LUZ

A la procedencia de la luz que baña o toca un objeto, se le denomina: la fuente de luz, esta ayuda a determinar la forma, posición, tamaño de los objetos o cuerpos, los cuales se ven altamente influenciados por la ubicación que pueda tener la fuente de luz.

Si la fuente de luz es natural o artificial, ya que existen diferencias y semejanzas en el efecto visual producido por una u otra .la diferencia principal radica en la apreciación del color que se pueda tener desde las dos condiciones, pues este se afecta porque toma tonos reflejados por su fuente.

Los objetos iluminados por luz natural cambian constantemente, pues las condiciones de luz pueden cambiar de manera radical y más si trata de objetos puestos en la naturaleza (arboles, montañas, cielos etc.)

El artista puede controlar las fuentes de luz artificiales, ya que define su posición e influencias sobre las zonas de los objetos.

Al descargar una fuente de luz sobre un objeto se aprecian las zonas de mayor o menor iluminación o zonas de sombras, mientras mayor luz más blanco, mientras menor luz recibida más negro u oscuro el objeto.

Otra característica para tener en cuenta en la valoración de sombras, es saber que el objeto iluminado refleja por si solo lo que se ha llamado como sombra propia y el efecto de sombra causado por este sobre el piso u objetos vecinos se denomina como sombra proyectada

DIRECCIONES DE LA LUZ

LUZ LATERAL

Cuando la luz ilumina el objeto por un lado, sea derecha o izquierda. Además produce una sombra proyectada opuesta

LUZ FRONTAL

Cuando la luz parte del sitio donde está parado el observador, o sea al frente, la sombra proyectada debe estar atrás del objeto.

LUZ CENITAL

El objeto está iluminado desde arriba, la sombra proyectada aparece debajo de este.

CONTRALUZ

Sucede cuando el objeto es iluminado desde atrás, la sombra reflejada aparece al frente del objeto o del observador.

ELEMENTOS BASICOS DE LA COMPOSICION

Los elementos básicos de la composición son los que hacen posible cualquier representación. Entre los elementos de la composición tenemos: el punto, la línea y el plano.

En el dibujo en la pintura y en el diseño la representación se realiza en dos dimensiones, es decir en un plano, cuando la representación no se hace en un plano sino en tres dimensiones y el objeto tiene largo, ancho y alto, es porque posee volumen.

Al trabajar los elementos básicos de la composición en un plano surgen la forma, el tamaño, el color y la textura. El conjunto de estos elementos determina la estructura del objeto representado.

Todos los cuerpos están limitados por superficies, las superficies por líneas y las líneas por puntos.

La composición es el ordenamiento claro y coherente de sus diferentes elementos básicos para expresar una idea, un concepto o un sentimiento.

EL PUNTO

El punto resulta del cruce de líneas rectas. Se define como la mínima representación gráfica, pues no tiene dimensiones, pero nos da una posición en el espacio. Del punto se derivan los demás elementos visuales.

El punto solo se hace visible mediante su representación a través de una convención gráfica.

Es un medio creativo de extraordinarias cualidades artísticas, ya que posee condicione plásticas muy ricas, dadas las posibilidades de su tamaño y saturación, que determinan la variedad, originalidad y texturacion de mucho atractivo y singularidad.

Las líneas hechas a puntos resultan muy finas y plásticas, por la sutil fusión de la luz y la sombra que le dan cierto carácter de agilidad y liviandad, resultando dinámica y suavemente variada.

Las formas creadas a puntos gozan de encanto y fascinación por el sentido plástico, atmosférico, transparente y subjetivo que los caracteriza

Una forma de reproducir, en artes gráficas, es mediante puntos, que según estén más o menos agrupados y sean más o menos intensos, nos dan la visón de imagen. El puntillismo fue una manera de hacer pintura posterior al impresionismo y se fundamenta en poner puntos (brochadas o pinceladas) de colores puros, que al alejarnos del cuadro se mezclan en la retina formando la imagen.

EL PUNTO COMO ELEMENTO GRAFICO

El punto es el elemento más simple y sencillo de cualquier representación grafica

Es considerado geométricamente un ente abstracto, pero gráficamente tiene su representatividad y su sentido expresivo

Es un elemento gráfico, elemental y básico que aparece continuamente, desde la formación de la imagen concreta, hasta los individualizados que podemos ver.

El punto cuando está organizado debidamente empieza a comunicarnos la imagen figurativa

El punto crea tensión de agudeza y tiene valor propio como elemento expresivo grafico

El punto es el centro de interés de cualquier composición

Mediante el punto es posible conseguir texturados poco comunes, de gran originalidad y belleza

Con el punto es posible crear sombras de los más ricos valores, porque permite una exquisita combinación de luces y sombras, es decir nos permiten una ajustada regulación de la luz y de la oscuridad.

ELEMENTOS VISUALES DEL PUNTO

Las formas del punto se derivan, en ocasiones, del instrumento (pincel, pluma, lápiz) que se utilice, pero se supone redondo, ya que esto nos da la idea de que no tiene dimensión y que no ocupa un lugar definido en el espacio.

El tamaño del punto está relacionado con la magnitud del plano donde va a ase colocado, con una valla publicitaria, una tarjeta, es decir si el campo grafico crece, crecerá el tamaño del punto, si disminuye el campo gráfico, este disminuye su tamaño.

Como cualquier otro elemento básico de la composición, el punto carece de tamaño color, forma y su representación depende del material con que se trabaje y del uso que se le vaya a dar.

EXPRESIVIDAD DEL PUNTO

El valor expresivo del punto depende de su cantidad y tamaño, así como de su agrupación, su intensidad y su distribución. El punto determina la forma y las características del objeto que habrá de ser representado, y según el uso que se le dé, este será un elemento que ayudara a determinar si  una representación es figurativa o no figurativa.

LA LINEA

Es el segundo elemento básico de la composición, se define como el desplazamiento de un punto en el espacio, esto quiere decir que la línea, como elemento conceptual, no es visible, pero en la práctica lo que hacemos es desplazar el punto de manera sucesiva y ordenada unos detrás de otros marcados por la punta del lápiz sobre el papel.

La línea es engendrada por un punto en movimiento, la línea en si es un ente abstracto, pero que la admitimos como la delimitación de dos cuerpos o de dos elementos distintos.

Cuando dibujamos un objeto, es decir delimitamos su perfil o contorno mediante una línea que realmente no existe, lo que sí existe es el objeto el cual es separado del ambiente que lo rodea a través del trazo que llamamos línea.

La línea es después del punto el elemento grafico más elemental para construir, delimitar y definir una forma, ya que posee condiciones artísticas de extraordinaria belleza ,el movimiento, el ritmo, el contraste, la unidad, la variedad que son atributos de su expresión

La línea por sus virtudes de agilidad y desplazamiento fluido, es capaz de concretizar imágenes instantáneamente, esta versatilidad expresiva acompañada del ritmo, le da la posibilidad de distribuir el plano o espacio en infinitas relaciones, produciendo con ello las más expresivas imágenes, la línea ha alcanzado un valor preponderante en la creación plástica ,las formas más caprichosas de la naturaleza que se interpretan con filamentos como tejidos, plumas cabellos, flores, texturas y se fundamentan en esta, como elemento creativo.

CLASES DE LINEAS

Líneas rectas

Líneas horizontales

Líneas quebradas

Líneas paralelas

Líneas verticales

Líneas curvas

Líneas mixtas

Líneas radiales

EXPRESIVIDAD DE LA LINEA

Las líneas, así como las formas, los colores y las personas, expresan algo.

Líneas rectas: comunica rigidez y fuerza

Líneas horizontales:

Expresa reposo, quietud, equilibrio, tranquilidad y estabilidad. La línea horizontal expresa y manifiesta la serenidad, el peso, la estabilidad, las líneas horizontales implican “hacer” las cosas más anchas y extensas. La sensación que nos produce observar una llanura desde un poco alto es la de sosiego y reposo y ante esta imagen la forma predominante es la inmensa línea horizontal del horizonte.

Líneas quebradas:

Insinúan desequilibrio, inseguridad y caos.

Líneas verticales:

Comunican altivez, elegancia y espiritualidad, es el símbolo grafico de la dignidad, predispone el ánimo para elevar el espíritu al recogimiento y a la meditación, tiende hacia el cielo en su majestuosidad, las líneas verticales también producen el fenómeno de alargar las cosas.

Líneas curvas:

Indican movimiento, abundancia, acción y armonía. La línea curva es dinámica e implica, acción, ingravidez, femineidad, si las líneas curvas son suavemente onduladas, el efecto del movimiento es gracioso y elegante, si las líneas curvas son pronunciadas y repetidas dan idea de movimiento violento y desenfrenado; estas peculiaridades tan diversas no tienen por qué estar implícitas en todos los casos, según sea cada uno de ellos tendrá solamente alguna determinada. Las ruedas, las nubes, los globos de los niños son ejemplos.

Líneas mixtas:

Insinúan composición, mezcla, unión de espacios.

Líneas Oblicuas:

Dan la sensación de inestabilidad, variabilidad e inseguridad.

Líneas Perpendiculares:

Son líneas compensadoras, dan la sensación de estabilidad a la línea oblicua.

Líneas en desorden:

No poseen dirección precisa, expresan agresividad, falta de constancia y confusión.

Líneas radiales:

dan la sensación de amplitud, luminosidad y orden. Las líneas radiales dan sensación de explosión, de asombro, la naturaleza en su potencia creadora, adopta a veces esta forma. Cuando queremos representar por medio del dibujo una bombilla o vela encendida, la rodeamos de este símbolo grafico para “explicar” luminosidad, el asombro agradable en los juegos artificiales es otro ejemplo.

Líneas concurrentes en un punto: las líneas concurrentes en un punto nos llevan la visión hacia este, produciendo una sensación de profundidad manifiesta. La perspectiva se fundamenta en ello.

OTROS MATICES EXPRESIVOS DE LA LINEA

La línea también nos trasmite otras sensaciones que son más sutiles o cuyas características son aplicables a todas ellas, se encuentra en cualquier posición. Y sean tanto verticales como horizontales, curvas, etc. Estas manifestaciones son las de la delicadeza, rigidez, dureza, fragilidad, etc.

EL TRAZO

Es la huella que deja un instrumento (lápiz, pincel…) sobre una superficie y depende de la variación o la intensidad que damos a la línea. Esta intensidad se puede dar:

Por el grosor o la intensidad, es decir se acentúa determinadas zonas del dibujo

Por su continuidad, es decir define los límites del contorno

Por su discontinuidad, es decir sugiere solamente la forma.

Trazo es la materialización de esa línea que puede ser de muy diversas maneras; fina, gruesa, continua o discontinua con uniforme intensidad o de tonalidades diversas.

Trazo también es el tipo personal de línea que todo individuo trasmite a su expresión gráfica peculiar, Raya es la línea causal, impersonal o intencionadamente insensibilizada.

EL PLANO

El plano es percibido por medio de los sentidos, su forma, su composición, sus rasgos externos, su textura y color. Por medio del dibujo, esto se puede representar en un espacio de sus dimensiones: largo y ancho.

El plano se obtiene al cambiar la dirección de las líneas con el propósito de regresar al punto de partida

Al quedar encerrada una parte del campo grafico surge un plano constituido por la línea o limite, que forma el perímetro y por un espacio interno que en geometría se llama área o superficie

El plano se puede percibir de cuatro formas:

RELACION DE SUPERPOSICION

Se da cuando los planos que se encuentran adelante no permiten apreciar la forma completa de los de atrás

RELACION DE TRASPARENCIA

Ocurre cuando las formas planas se pueden apreciar a través de las figuras que están adelante

RELACION DE PENETRACIÒN

Se da cuando los planos entran y salen de una figura que se encuentre cerca.

RELACION DE PROFUNDIDAD

La sensación de acercamiento y lejanía se expresa por medio de tamaños. Los más grandes dan la sensación de estar más cerca del observador y si el color se aplica más suave a cada plano más pequeño, se lograra dar sensación de lejanía.

Un segundo efecto de cercanía o de lejanía se logra por la disposición de las formas. Las que se ubican al borde superior dan la sensación de lejanía y las del borde inferior expresan cercanía.

VALOR EXPRESIVO DEL PLANO

Depende de las características de las líneas que lo conforman, de su intensidad, de su forma y de su ubicación en el espacio.

PROFUNDIZACION DEL PLANO:

Así como la línea surge de un punto en movimiento, el plano es la huella que deja el movimiento lateral de una línea en el espacio y así como la línea es infinitamente delgada, el plano también lo es.

El plano sirve de soporte para las representaciones que se hagan con el punto, la línea y las formas.

Para que los planos constituyan un volumen, se cierra y se le da una forma exterior. Este es el origen de las tres dimensiones.

Técnica para medir a la distancia (utilizar lápiz o bolígrafo).para lograr un boceto proporcionado, es necesario aprender a medir a ojo y así calcular si un objeto es más largo, más ancho o más alto que otro.

Se sitúa el lápiz frente al objeto, se entrecierra el ojo y se ajusta la medida con el pulgar.

El pulgar queda fijo para buscar así la medida horizontal, luego se compara con la anterior

No se cambia de lugar y el brazo se mantiene extendido.

EL BODEGÒN

Es una disposición de objetos, los cuales ganan un valor simbólico más allá de su aspecto individual.

En un bodegón es común ver jarrones, flores, pan, vino, frutas, etc., jugando dentro de los planos del cuadro ofrece un rico manejo compositivo, pues los objetos se pueden disponer de manera tal que expresen la voluntad del artista.

El género del bodegón es casi tan antiguo como el arte religioso, en l se han mezclado los objetos más comunes, como los más exclusivos de cada época. Es común ver que el artista trate de dibujar o pintar con detalle cada objeto, entrando en un marcado hiperrealismo, demostrando que mucha parte del valor artístico del bodegón está más en lo simbólico de los objetos pintados que en la misma connotación del cuadro en conjunto, además liga al bodegón con las reglas de la proporción, pues figuras que no conserven ésta, dificultarían el dibujado o pintado de sus formas reales, aparte de darle una apariencia extraña a los objetos del cuadro.

El género del bodegón es muy utilizado en todos los procesos de aprendizaje del dibujo y la aplicación de técnicas, este resume todos los pasos necesarios para la elaboración de una obra; parte del encaje de los elementos en el espacio de trabajo, a la vez que los proporciona ante el mismo espacio y entre los demás objetos utilizados, para lograr armonía visual, o sea, un cuadro que agrade a la vista de quien lo observe.

Para realizar un bodegón lo primero que debes hacer es:

Con trazos muy esquemáticos, delimita las formas de los objetos de la composición, luego define las formas de los objetos con trazos firmes, borra las líneas que no sean necesarias (las hechas que fueron para los trazos iniciales) y determina las zonas más o menos iluminadas con sombras y luces (fondo del papel), finalmente concluye el dibujo del bodegón con retoques a las formas o sombras, terminas cuando logres una armonía visual del dibujo.

 

El bodegón, entonces, tiene como característica un marcado manejo de la composición, cuida de fijar claramente los centros de interés y equilibrio del claro/oscuro y el color.

LA PERSPECTIVA

Nace como la intensión del artista por dar un orden de realidad a sus obras dentro del mundo pictórico, independiente de la realidad física.

En la antigüedad se inventó un sistema de perspectiva que parte de un punto central o sobre el horizonte, del cual salen las proyecciones que tocan cada objeto, sin converger nunca entre ellas  un sistema inadecuado cuando se pretende imprimir un alto grado de realidad.

Las posibilidades de lograr una mayor realidad en el dibujo, aumentan con la aplicación  de un segundo punto de partida o punto de fuga en el horizonte, o mayor cantidad de puntos si es necesario.

(PV) Punto de Vista: Es la posición fija donde se encuentra el observador

(LH) Línea Horizonte: Es una línea imaginaria que parece dividir las partes de arriba y de debajo de lo que apreciamos, sin mover la cabeza.

(PF) Punto de Fuga: se coloca sobre la línea de horizonte y de él parten todas las diagonales que sirven para proyectar el dibujo.

La tridimension que se quiere lograr en la perspectiva se basa en los principios de la distancia, el volumen y la profundidad, esto hace que el plano en el que se encuentren los objetos cambie.

Para el dibujo del natural no es necesario precisar demasiado los objetos que se dibujan ya que esto haría muy precisa la técnica.

Pero es necesario tener una noción práctica de la perspectiva que ayude a darle una apariencia más real al modelo y a disponer claramente todos los objetos dentro del espacio, el plano que ocupan en la composición y el volumen propio de su forma.

CLASES DE PERSPECTIVA

PERSPECTIVA PARALELA:

Llamada también perspectiva frontal, utiliza solo un punto de fuga que se encuentra localizado en la línea de referencia y coincide con el punto de vista.

PERSPECTIVA OBLICUA:

Emplea dos puntos de fuga sobre la línea de horizonte y no coincide con el punto de vista.

PERSPECTIVA AREA:

Como la perspectiva oblicua también tiene dos puntos de fuga sobre la línea de horizonte, pero adema tiene uno, dos o más puntos de fuga adicionales sobre la línea de horizonte.

Utilizar más de un punto de fuga hace posible apreciar hasta tres caras del objeto dibujado.

EL CARBONCILLO

El carboncillo se caracteriza por ser un método sencillo, pues nace cuando los primeros hombres dibujan en cavernas y piedras figuras de animales, con trozos de madera quemada.

En el renacimiento el carboncillo fue utilizado para hacer los esbozos de los frescos, que aún se aprecian los más famosos museos del mundo y hacen parte del patrimonio cultural de la humanidad.

Pero la técnica del carboncillo no se queda en la realización de esbozos, hay quienes logran con este material obras de rico valor expresivo.

El carboncillo está muy ligado al trabajo del claroscuro, gracias a la gama tonal que puede conseguirse en sus trazos o pasar del blanco al negro en un solo paso, el carboncillo demanda del dibujante un buen manejo de la proporción y la composición, pues los trazos deben ser firmes, así la técnica permita un alto grado de corrección.

La técnica del carboncillo es de fácil aprendizaje, se trata de realizar trazos agiles entre claros y oscuros para representar las formas, pero no deja de ser una técnica que necesita practica y bases que enseñen una correcta aplicación de esta.

Los trazos con carboncillo reflejan matices de gran intensidad, graduaciones tonales y todo tipo de luces y sombras. Una propiedad importante de este material se da en las posibilidades que ofrece con el claroscuro, por ello ha sido escogido como el material a utilizar en el tema de luz y sombra, así se facilitara su entendimiento como tal y el aprendizaje de la técnica o método de aplicación del carboncillo.

Los trazos del carboncillo varían de acuerdo con la posición y presión que se utilicen, después de esquematizar el modelo, se define con trazos más firmes. El claroscuro lo da el contraste de blancos y negros.

(Parramon pag 69,70,71)

Es necesario contar con el material apropiado para iniciarse en esta técnica, además, es de bajo costo y fácil consecución

Los carboncillos:

Se consiguen en forma de bastón y distintos grados de dureza.se recomienda los gruesos ya que permiten diferentes tipos de trazado.

Correctores o borradores:

La goma de borrar y el miga de pan son los más utilizados, pero no son de mucha utilidad para trazos demasiados fuertes o profundos.

Papel de grano medio: soporta el grano sin perder la textura

El difumino:

Difumina los trazos, se utiliza en cualquier etapa del dibujo.

Fijador:

Muy útil para conservar el dibujo.

CLAROSCURO

El color es un fenómeno físico causado por la influencia de la luz sobre un objeto, la manera como llega o de donde llega la luz determina las zonas más o menos iluminadas. La utilización del claroscuro es el procedimiento como se representa gráficamente el volumen del objeto dibujado.

El claroscuro es la valoración de tonos con los cuales se definen los volúmenes, la procedencia e intensidad de la luz hace que los tonos varíen.

Si se pretende ilustrar un objeto dentro del parámetro real, la aplicación del claroscuro se hace necesaria , y a su vez, este es el resultante del tipo de iluminación que el objeto recibe que podría ser: dura, blanda, contrastada, fuerte, brillante entre otras, las cuales son generadas natural y artificialmente (sol, luna, bombillas, lámpara, etc.)

LUZ Y SOMBRA

Al iluminar un modelo se produce la sombra en el lado opuesto a la zona que recibe la luz, al tiempo que se crea una sombra sobre la superficie en que se halla.

Fuente de luz:

Se refiere a la procedencia de la luz o haz luminoso, conjunto de rayos luminosos que parten de un mismo punto.

La luz puede llegar al objeto desde cualquier parte, lo que hace que varíe el punto de vista, y si a eso se le agrega que el tipo de luz recibido es condicionante, entonces el modelo se puede ver afectado críticamente. Todo esto dentro de la apreciación visual y sicológica reflejada en la expresión del dibujo.

Sombra propia:

Son las sombras que se presentan dentro del mismo modelo, dadas por los volúmenes menos iluminados.

Sombras proyectadas:

Las produce el modelo sobre la superficie en donde se halla, esta equivale a la proyección de su silueta.

DIRECCION DE LA LUZ

La posición de la luz con respecto al objeto o viceversa, es determinante en el resultado visual del modelo propuesto.

Los objetos tienen formas definidas como pueden ser planas, redondas, ovaladas, curvas, etc. visualmente son apreciables de acuerdo con la luz que las refleja. Esto quiere decir, cuando se parte de un modelo fijo y se rota la posición de la luz, puede presentarse cambios críticos en su apariencia.

Luz cenital:

El objeto se ilumina desde arriba, la luz solar del mediodía, una lámpara sobre el objeto, la sensación visual es de realismo y de tranquilidad.

 

Luz frontal:

La fuente de luz se sitúa al frente del modelo, la sensación de volumen disminuye y se suavizan las formas.

Luz lateral:

En este caso la luz está a la izquierda o derecha del modelo, este gana en detalle y da una sensación de quietud.

Contraluz:

La luz procede de atrás del modelo, resalta las siluetas del modelo creando un ambiente duro y misterioso.

Abisal:

La fuente de luz proviene desde abajo, dando al modelo la sensación de misterio

 

CALIDAD DE LA LUZ

La calidad de la luz son las variantes que ofrece el modelo en cuanto al foco empleado  o por la manipulación de los rayos lumínicos (manejo de luz artificial o natural)

Luz dura: esta luz “pega” directamente sobre el objeto y el efecto visual que produce divide rápidamente el espacio entre la luz y la sombra, los colores de los objetos se tornan luminosos y las sombras definidas. La luz dura es el resultado de las fuentes de luz directa o dirigida.

Luz suave o difusa: esta fuente de luz extiende sus rayos luminosos a todo el modelo, apenas se pueden apreciar las sombras y el color se torna parejo. La luz difusa es característica de los días nublados o las luces indirectas.

TINTA CHINA

La tinta china es simplemente un pigmento de carbono, como el hollín de la madera quemada o de resina, llamada negro de humo, mezclado con agua para hacer un líquido. Y como técnica es milenaria, utilizada para dibujar sobretodo líneas y puntos.

Originaria de Egipto y China en donde era utilizada en proporcionar el contraste a los jeroglíficos tallados, en el siglo 12 la  tinta china se había convertido común en Roma, en el siglo 20 la  tinta china se convirtió en el más popular elemento  para la  impresión y escritura en el Oeste.

Se ejecuta normalmente sobre papel o sobre seda, lo cual apenas varía el tiempo de secado o la forma de fijarla, puesto que ambos soportes tienen las cualidades requeridas

La técnica con que se ejecuta la tinta china exige precisión, espontaneidad y cálculo, puesto que no es posible corregirla ni repintarla.

Entre los materiales a utilizar encontramos el pincel, la tinta, el tintero y el soporte, los cuales se adecuan a las aptitudes del pintor.

Los pinceles para tinta china tienen un vástago de bambú muy ligero, que permite el movimiento espontáneo de la mano sin coartar el impulso del artista, tienen un núcleo esponjoso que absorbe la tinta, rodeado por unas cerdas largas y sedosas que esparcen el pigmento.

El tintero es el lugar donde la tinta se deslíe con agua, en la concentración deseada, por último, el soporte como ya se ha mencionado, es de papel o de seda.

Las cualidades que los destacan en la tinta china son su lustrosidad, su flexibilidad y su impermeabilidad.

Entre las técnicas de tinta china encontramos: La aguada que se obtiene a partir de tinta china o de tintas de colores, que se diluyen en agua y se aplican con pincel para destacar contrastes de luz y sombra en una composición. La característica principal de la  técnica de la aguada es la soltura de la tinta en su aplicación utilizando el agua como medio de control.

La técnica de la plumilla se realiza con una pluma y tinta con la cual se trazan líneas y figuras. La característica principal de esta técnica es la elaboración de tramas para definir texturas y áreas de claro-oscuro en el dibujo, la aplicación de las tramas se aplica saturándolas en las zonas de oscuridad y desaturadas en las zonas de luz.

En la técnica del contraste su característica principal es el alto contraste, en esta técnica se define el contorno del dibujo con la plumilla, se aplica la tinta china con el pincel sin diluir en las zonas definidas como oscuridad, dejando las zonas de luz sin pintar.

En la técnica del pincel seco, la figura se debe degradar de manera paulatina hasta que el pincel pierda su carga de tinta y el negro absoluto que se ha obtenido se convierte en un gris cada vez más pálido, hasta que llega a un punto en que no basta con deslizar el pincel por encima del papel para que siga manchando  sino que se debe restregar de manera de que esta acción permita obtener grises suaves y trasparentes.

Cuando trabajes con tinta china debes realizar el boceto del dibujo con lápiz para dar las proporciones a la figura.

Cuando tengas el boceto listo hay que definir las zonas más oscuras del dibujo con un pincel con una tonalidad base, luego se debe definir en el dibujo las partes más oscuras y con el pincel realizarlas aplicando mayor cantidad de tinta en estos espacios hasta lograr un negro absoluto, cuando lleguemos a este punto hay que dejar que se seque un poco de manera que se pueda trabajar con la plumilla.

Cuando se trabaje con la plumilla se debe aplicar sobre el dibujo trazos bien dirigidos, de manera que las zonas más oscuras ya quedaron definidas con negro absoluto y con tramas se deben realizar variados contrastes y texturas con el fin de enriquecer el dibujo y resaltar la luminosidad.

 

MUESTRARIO DE TRAZOS (79 PARRAMON)

TECNICAS EN TINTA CHINA (80p)

Aportes del libro- taller: Arte y Expresión de Ana Dolores Chaparro de Jiménez y Haydee Villabona de Rodríguez. Grado 6.

Libro-taller Líneas y algo más de Polo Aguirre G. Editorial Ediarte Ltda.

Libro-taller Lapices y Algo Màs. Editorial  Ediarte S.A

 

 

 

 

 

 

 

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